Ai Wei Wei, Inoculación, en Fundación Proa

La tensión entre Oriente y Occidente (todo arte es político)

Para todos los que disfrutan del arte, Buenos Aires este verano regala la oportunidad de recrearse con por lo menos tres exposiciones de nivel internacional, un verdadero lujo para los porteños que andamos por acá: México moderno en el Malba, Miró en el Bellas Artes y Ai Wei Wei en Proa .

Recomiendo fervientemente acercarse a La Boca para participar de la excelente exhibición del artista chino que ocupa cada lugar de la fundación Proa. A las cinco de la tarde, vale la pena anotarse para la visita guiada que es muy interesante y ágil.

A continuación, las fotos mías con información extraída del sitio ofial de Proa:

Forever Bicycles, 2017 [Bicicletas Forever]

1254 bicicletas de acero 950 x 1600 x 290 cm.

“Forever” Bicycles, obra monumental construida con 1254 bicicletas, de 16 metros de largo por 9 de altura, está ubicada en la vereda frente a la fachada de la fundación. Este gesto de Proa hacia el barrio apunta a poner a disposición del transeúnte casual, del paseante ocasional, de los niños, una de las obras más bellas construidas con objetos de la vida cotidiana. A la manera de un ready-made y en homenaje a la Rueda de la bicicleta de Marcel Duchamp, “Forever” Bicycles se convierte en un punto de encuentro entre el arte chino y el arte occidental; un puente entre los siglos XX y XXI; un eslabón que une culturas diferentes y una apropiación del objeto que en su multiplicidad nos propone una nueva mirada, una nueva abstracción, una nueva construcción."(1)

"Law of the Journey es una de sus obras más recientes que Ai Weiwei creó sobre el urgente problema humanitario de los refugiados. El artista decidió presentar por primera vez una versión de esa obra en nuestras salas, y para Proa es un orgullo poder exhibirla y así inaugurar su gira sudamericana." (2)

Porcelana 312 x 50,5 x 27 cm total. 52 x 50,5 x 27 cm cada vasija

"Ai Weiwei entiende la totalidad de la arquitectura de Proa como espacio expositivo, eso incluye la vereda, la librería, y el café, creando una relación interesante entre la tradición y la modernidad." (3)

Detalle del tríptico: Dejando caer una urna de la Dinastía Han, fotos pasadas al collage con piezas de Lego

Uvas (2014)

Semillas de girasol

En unas de las salas se expone una décima parte de lo que fue la instalación de Ai Wei Wei en la Tate Modern donde el artista optó por llenar el interior gigante del Turbine Hall con cien millones de semillas de girasol de cerámica pintadas a mano. Así estaba operando en muchos niveles, entre ellos el asunto no menor de la enorme tarea colaborativa requerida para orquestar las labores de 1600 trabajadores/as en la capital de la cerámica Jingdezhen. Además de ser un snack popular en China, las semillas de girasol eran en un tiempo comparadas con pueblo chino que sigue la luz emitida por Mao Tse-Tung cuando estaba en la cima de su poderío.

Cangrejo (2011) pertenece al grupo de obras de porcelana en las cuales Ai Wei Wei desafía a los artesanos  a producir formas complicadas en serie.

Cofre de Luna (2018) Detalle

Iluminación (2009) Impresión digital

Ai Wei Wei, foto de la juventud.

Controvertido, apasionado, rebelde, incómodo, Ai Wei Wei es un artista activista, por su vida pasa la historia de su padre y de sí mismo en China, una de las naciones más poderosas del mundo. 
Es artista que nos abre los ojos a las inconsistencias e injusticias de este mundo. Al salir de la exposición alguien me dijo que esta exposición le hizo pensar en una clase de Derecho en la que algún profesor le había enseñado que todo no se puede, el Estado debe elegir entre pan o libertad para sus ciudadanos, justificando la represión y persecusión que sufre el artista. Yo, en cambio, salí convencida de que artistas como Wei nos recuerdan que nadie puede robarnos la libertad, que no hay nada más importante que la libertad.

No se la pierdan. Estará hasta abril en Proa, una buena excusa para una inmersión en los colores de La Boca.

PARA MÁS INFORMACIÓN VER AQUÍ




(1) Adriana Rosemberg

(2)Adriana Rosemberg

(3) Adriana Rosemberg

Manifesto, de Julian Rosefeldt en Proa

La potencia expresiva de los manifiestos del siglo XX

NO SE LO PIERDAN: HASTA EL 5 DE NOVIEMBRE

La instalación cinematográfica Manifesto del director y video-artista Julian Rosefeldt (Munich, Alemania, 1965), es un homenjae al poder de la poética explosiva de los manifiestos artísticos clave de los últimos cien años. 
La genial actriz australiana Cate Banchett interpreta a trece personajes diferentes en distintas situaciones cotidianas. Su impresionante versatilidad permite el juego poético y teatral del collage de manifiestos seleccionados por Rosefeldt  con un ritmo y un sentido sorprendente.
Esos textos de jóvenes rebeldes de su tiempo (Tristan Tzara, André Breton, Marinetti, Malevich, Oldenburg, y muchos otros), son reformulados en nuevos textos a modo de collage, y crean diálogos inesperados entre ellos. La elección de las situaciones en los que el director presenta los textos son muy originales y eficaces. Ni hablar de la selección de  los escenarios reales que son increíbles.

Por último destaco la tarea de la Fundación Proa, que como ya nos tiene acostumbrados, esta vez también nos gratifica con la calidad de la instalación y el aprovechamiento de un espacio tan hermoso en el puerto de La Boca.

Menos mal que fuimos, les queda una semana y la Noche de los Museos. No se lo pierdan.

Algunos fragmentos de los textos:

SITUACIONISMO

LLAMAMOS A TODOS LOS INTELECTUALES HONESTOS,  

A TODOS LOS ESCRITORES Y ARTISTAS A ABANDONAR

DECISIVAMENTE

LA ILUSIÓN TRAICIONERA

DE QUE EL ARTE PUEDE EXISTIR

POR EL ARTE MISMO,

O DE QUE EL ARTISTA PUEDE PERMANECER ALEJADO

DE LOS CONFLICTOS HISTÓRICOS DONDE

TODOS LOS HOMBRES DEBEN TOMAR PARTIDO.

SUPREMATISMO/CONSTRUCTIVISMO

ME HE TRANSFIGURADO EN EL CERO DE LA FORMA

YO LES DIGO A TODOS:

¡DESPRÉNDANSE DEL AMOR!

¡RECHACEN EL ESTETICISMO!

¡DESHÁGANSE DE LAS VALIJAS

DE LA SABIDURÍA!

SOLO LOS ARTISTAS OBTUSOS E IMPOTENTES

DISFRAZAN SU ARTE BAJO UN MANTO DE SINCERIDAD

EN EL ARTE HACE FALTA VERDAD, NO SINCERIDAD.

DADAÍSMO

AQUÍ ECHAMOS EL ANCLA EN LA TIERRA FERAZ. FANTASMAS EBRIOS

DE ENERGÍA, HINCAMOS EL TRIDENTE EN LA CARNE DISTRAÍDA.

YO ESTOY CONTRA LOS SISTEMAS

EL ÚNICO SISTEMA

TODAVÍA ACEPTABLE

ES EL DE NO

TENER SISTEMAS

LOS MEJORES Y MÁS FABULOSOS ARTISTAS SERÁN AQUELLOS

QUE CON LAS MANOS Y EL CORAZÓN SANGRANTES,

QUE SE ENSAÑEN CON EL INTELECTO DE LA ÉPOCA.

SENTARSE EN UNA SILLA POR UN MOMENTO

ES ARRIESGAR LA PROPIA VIDA.

SURREALISMO Y ESPACIALISMO

ADIÓS A LAS ABSURDAS SELECCIONES, LOS SUEÑOS DE ABISMOS,

EL ORDEN ARTIFICIAL DE LAS IDEAS

MATA, VUELA MÁS VELOZMENTE,

AMA TODO LO QUE QUIERAS

DÉJATE LLEVAR

QUE SE TOMEN SIMPLEMENTE EL TRABAJO

DE PRACTICAR LA POESÍA.

POP ART

ESTOY A FAVOR DE UN ARTE

QUE CREZCA SIN SABER SIQUIERA QUE ES ARTE

ESTOY A FAVOR DE TODO ARTE

QUE TOME

SU FORMA DE LAS LÍNEAS

DE LA VIDA MISMA.

ESTOY A FAVOR DE UN ARTE QUE SE RETUERZA Y SE EXTIENDA Y SE ACUMULE

Y ESCUPA Y GOTEE

Y SEA PESADO Y ÁSPERO Y CONTUNDENTE Y DULCE

Y ESTÚPIDO COMO LA VIDA MISMA.

CINE/ EPÍLOGO

NADA ES ORIGINAL

ROBEN

DE DONDE SEA

QUE RESUENE

CON INSPIRACIÓN 

O ALIMENTE

SU IMAGINACIÓN

ELIJAN PARA ROBAR SOLO COSAS

QUE LES HABLEN DIRECTAMENTE AL ALMA

SI LO HACEN,

SU TRABAJO Y ROBO SERÁN AUTÉNTICOS

LA AUTENTICIDAD ES INVALUABLE

LA ORIGINALIDAD ES INEXISTENTE.

Graciela Gutiérrez Marx en el Malba

Graciela, protagonista de Verboamérica

¡Encontrarte así, por sorpresa, todo un rincón del Malba con tu obra, Graciela!

Con tus sobres de arte correo, tus sellos y tu letra inconfundible. Con las fotos de Mamá Blanca y las violetas de los alpes del frente de tu casa... 

Fue un encuentro directo a la emoción.

Siempre que entré a tu casa; siempre que compartí desde mi nada alguno de tus proyectos como la Maratón de Antihéroes; siempre que compartías esos espacios en los que nos dabas a todos lugar para crear, para jugar a ser artistas; siempre, te juro que siempre, supe que estaba al lado de una grande, de una artista abre-caminos.  Siempre fui consciente de ese privilegio. 

Por eso, cuando vi tan amorosamente exhibidas tus obras, junto a la de otros artistas admirados como Remedios Varo, Xul Solar, Liliana Porter, Diego Rivera, me sentí inmensamente feliz y emocionada. 

Estás incluida en un núcleo temático que reflexiona sobre la ciudad y las letras, la ciudad y la violencia, la ciudad y la imaginación. Me pareció muy acertado ese espacio para vos, imaga de la imagen y la palabra. 

¡Vayan al Malba, amigos, a encontrarse con esta sorpresa! Graciela Gutiérrez Marx más actual que nunca porque nos recuerda que no se puede vivir la vida sin poesía.

A continuación las fotos de Daniel Gluzmann y fragmentos del catálogo del Malba:

En el marco de la celebración del 15° aniversario del museo, se presenta esta nueva exposición de la colección permanente, curada por la historiadora e investigadora Andrea Giunta y por Agustín Pérez Rubio, Director Artístico del museo. La exhibición es el resultado de un proyecto de investigación más amplio de más de dos años, que propone una historia viva de América Latina, expresada en acciones y experiencias. Una historia poscolonial que asume que el arte latinoamericano no debe entenderse tan sólo a partir de las denominaciones que propuso la historia del arte europeo, sino a partir de los nombres que los propios artistas formularon cuando crearon sus programas estéticos.

“Verboamérica es una exhibición performativa y temporal, y pone en evidencia la crisis de la linealidad y unicidad del tiempo histórico que ha tenido lugar durante la globalización”, explica Pérez Rubio en el catálogo que acompaña la exposición, donde destaca el famoso mapa de Joaquín Torres-García América invertida, que ya en la década de 1940 enseñaba una modificación de preeminencia geográfica y espacial de América, pero también temporal.

La exposición rompe el clásico recorrido cronológico e incluye 170 obras divididas en ocho núcleos temáticos, en los que conviven obras de diferentes períodos históricos y de una multiplicidad de formatos: pinturas, dibujos, fotografías, videos, libros, documentos históricos e instalaciones. Los núcleos son: En el principio; Mapas, geopolítica y poder; Ciudad, modernidad y abstracción; Ciudad letrada, ciudad violenta, ciudad imaginada; Trabajo, multitud y resistencia; Campo y periferia; Cuerpos, afectos y emancipación; y América indígena, América negra.

En palabras de Andrea Giunta: “Los términos clave de esta exposición provienen de la experiencia artística en América Latina: Antropofagia, Indigenismo, Negritud, Martín Fierro, Neoconcretismo, Madi, Perceptismo, Universalismo Constructivo, Muralismo. Provienen también de la experiencia latinoamericana de las ciudades, las ciudades reales, soñadas, utópicas; del trabajo, la explotación y la geopolítica; de los márgenes de la ciudad, los paisajes reales e imaginados, y de lo expulsado: la prostitución, la pobreza, los cuerpos insubordinados, descalzados del canon patriarcal que construyó tanto a la mujer como al hombre. Se trata, también, de la insurrección negra, indígena, campesina, del reclamo de la tierra. Volver visibles las poéticas de lo indomesticable, las formas de la emancipación estética”.

Núcleos Verboamérica
Ciudad letrada, ciudad violenta, ciudad imaginada

La ciudad no solo fue representada en sus ángulos y desde el contraste de sus luces y sombras. La escritura tuvo un rol protagónico. Provenía de los autores que se sentaban a conversar y a debatir los nuevos programas estéticos en los cafés de todas las metrópolis del mundo, de toda aquella imaginación que se desató en torno al concepto mismo de escritura. Muchos lenguajes se activaron ante la censura. Formas codificadas, secretas, de decir, escribir y pensar eludiendo el control de las dictaduras. Se inventaron lenguajes nuevos, que simulaban el orden de los textos pero en los que no había letras ni palabras conocidas. Se llegó a escribir con los dedos, dejando los rastros del cuerpo en los simulacros de renglones; se lo hizo incluso sin tinta, sin lápiz, utilizando solo las manos para dejar en el papel las huellas de las arrugas. Escrituras corpóreas. Se imaginaron y se inventaron otros códigos que, en su indeterminación, se propusieron como universales, capaces de producir nuevas formas de contacto. La escritura como comunicación adquiere una forma transfronteriza en la carta, en las imágenes y en los sellos del arte postal, que permitió cruzar fronteras que las aduanas del arte hubiesen posiblemente bloqueado. La ciudad fue, también, escenario de la violencia. Sus marcas resultan evidentes en las estatuas decapitadas, en la imaginación de cárceles subterráneas, en las escenas de robos y accidentes de historias ficticias. El caos y el amontonamiento de las arquitecturas también ejercen una forma de violencia en las personas. No tan solo sobre sus cuerpos, también sobre sus mentes, que, abrumadas, tienen que decodificar y establecer nuevos formatos de circulación. Las ciudades fueron un estímulo extraordinario para la imaginación. Ante su expansión se pensaron nuevas formas de habitar, nuevas relaciones entre el espacio y el cuerpo. Se formuló el concepto de una arquitectura emocional, en la que las relaciones del espacio fuesen capaces de conmover a quienes lo recorrían. El lápiz sobre el papel permitió diseñar recorridos que en la realidad parecían imposibles. Permitió elevar hábitats y definir nuevas percepciones. En sus redefiniciones, el espacio de la ciudad y de la casa consideraron los cuerpos sociales y los individuales.

Artistas: Norah Borges, Mirtha Dermisache, Graciela Gutierrez Marx, Mathias Goeritz, David Lamelas, Margarita Paksa, Liliana Porter, Diego Rivera, Lotty Rosenfeld, Mira Schendel, Remedios Varo y Xul Solar, entre otros.

Más Graciela Gutiérrez Marx en Razón del gusto:

http://razondelgusto.blogspot.com.ar/2013/04/graciela-gutierrez-marx-poesia-y.html

Diane Arbus en el Malba

Mirar a través de esos ojos

"Para mí, el sujeto de la foto es siempre más importante que la foto. Y más complejo"

Diane Arbus

Diane Arbus por Allan Arbus, 1949

Querida Diane:

Ayer fui a ver la extraordinaria muestra de más de cien fotos que sacaste entre 1956 y 1962. Yo llegaba a este mundo entre esos años a una casa humilde del conourbano bonaerense en 1958. Fui una nena a la que siempre le gustó el arte, y cuando podía sacaba fotos con una camarita rectangular. Por eso, hoy no puedo escribir una reseña como cualquier otra, prefiero escribirte esta carta.

Vos te llamabas Diane Nemerov, una neoyorkina hija de padres judíos dueños de una gran tienda en la Quinta Avenida. Te casaste a los 18 años y perdiste tu apellido para vestirte con el de tu hombre, un afamado fotógrafo. Trabajaste con él más de 10 años hasta que en 1956 empezaste a sacar tus propias fotos. Estas que tenemos el gran privilegio de ver en el Malba. ¡Qué ironía del destino que hoy vos seas la famosa!

La exposición en el Malba es muy íntima y hermosa. Es como adentrarse en un bosque de columnas grises en medio de una noche azul. Allí, bien separadas, una en cada columna están esas fotos sacadas en la ciudad de Nueva York. Hombres, mujeres, niños, ancianas... Lo raro, lo único, lo clandestino, lo que no queremos mirar. Fotos nítidas, en blanco y negro, contrastadas. Más reales que la vida en color.

El pequeño tamaño de las copias, con esa calidad insuperable de la impresión en gelatina de plata, invitan a acercarse para mirar sus detalles. La tenue y a la vez precisa iluminación es insuperable.

Me conmueven tus fotos, Diane, por la calidad artística pero sobre todo por la curiosidad sobre el ser humano que demuestran y por la valentía que subyace en ese acto de mirar a los ojos del retratado para ser su espejo eterno. 

Todas esas personas retratadas quizás ya estén muertas. Los niños ya sean viejos. Pero vos los inmortalizaste en ese momento supremo en que te permitieron ver qué había dentro de ellos.

Tu obra sigue siendo transgresora. Ni siquiera Susan Sontang comprendió tu pulsión por retratar la belleza de lo extraño, lo monstruoso, lo discordante. Quizás eran expresiones tangibles de lo rechazado y oculto, espejos de tu alma mortificada. Te fuiste alejando cada vez más de la fotografía de Allan, esos retratos en los que los protagonistas eran la ropa de moda. A vos no te importaban los modelos sino las personas.

Los que se suicidan como vos a los 48 años generan mucho enigma a su alrededor. A mí no me importa tu muerte sino tu mirada. Seguiré conociéndote, recién entré a tu album infinito y seguiré explorándolo.

Te abrazo desde mi amor a la fotografía.

Con admiración.

Liliana Schwab 

Diane Arbus
En el principio
14.07— 09.10.2017
Curador: Jeff L. Rosenheim
Sala 5, Nivel 2

Malba

Ver más información sobre la muestra aquí

Noé en el Museo Nacional de Bellas Artes

Mirada Prospectiva

La exposición de Noé en el Bellas Artes es una explosión de color y vitalidad. Sorprende el recorrido por las 120 obras expuestas por la unidad en la energía del artista que es la misma a los 84 años, en la maravillosa instalación Entreveros (2017) que la de obras de los años 60s.

Para el espectador desprevenido muchas de sus obras pueden paracer abstractas, pero como co-fundador de la Nueva Figuración junto a Macció, De la Vega y Deira, en sus obras está el hombre. Multitud de rostros pequeños testigos del caos de la historia. Por eso su obra es denuncia de los procesos históricos dolorosos e injustos de nuestro país y del mundo; es mordaz ironía; pero por sobre todas las cosas es la fuerza y el color de la vida.

Aquí van detalles que me fascinaron de algunas de las obras. Vayan al  Museo Nacional de Bellas Artes para ver el todo y para sorprenderse con lo que encontrarán.

Entrada libre y gratuita. A no perdérsela.

* Luis Felipe Noé. Mirada prospectiva – Curaduría de Cecilia Ivanchevich

Del 11 de julio hasta al 20 de septiembre de 2017

De martes a viernes, de 11 a 20 horas, y sábados y domingos, de 10 a 20 horas

Museo Nacional de Bellas Artes – Pabellón de exhibiciones temporarias

La entrada es libre y gratuita

Viaje al espíritu del tiempo, Mireya Baglietto en el Museo de la Cárcova

A través del espejo y lo que Mireya encontró al otro lado

"Juguemos a que existe alguna manera de atravesar el espejo; juguemos a que el cristal se hace blando como si fuera una gasa de forma que pudiéramos pasar a través. 

¡¿Pero, cómo?!"

Lewis Carrol, A traves del espejo y lo que Alicia encontró al otro lado. (1871)

Los que vayan al Museo de la Cárcova durante los meses de julio y agosto, además de sentir el entusiasmo por la duplicación perfecta de los calcos de las grandes esculturas clásicas de la humanidad (el David, el Moisés, la Victoria de Samotracia, La piedad...), también se quedarán perplejos ante la propuesta del espacio núbico de Mireya Baglietto.

Solamente con un espejo a la altura de los ojos empieza la aventura de saltar por nubes algodonosas, sumergirse en las profundidades de los océanos, pasear entre estalactitas o estalagmitas... Porque Mireya, nos da la mano para embarcarnos en la aventura de su "Viaje al darse cuenta". Darse cuenta de que las cosas no son como las vemos, darse cuenta de que basta recortar, cambiar de ángulo o concentrarse en los detalles para ver algo desconocido de lo que nos rodea y de nosotros mismos.

"La integración entre arte, ciencia y espiritualidad, son inquietudes que Baglietto viene desarrollando desde el año 1980 y que ahora se encuentran a la vanguardia del pensamiento contemporáneo. La verdadera obra no es el espacio formalmente construido por la artista, sino la resonancia sensorial que la experiencia produce en cada participante cuando éste accede al espacio, toma el espejo y recorre la obra. "

"La verdadera obra no es el espacio formalmente construido por la artista, sino la resonancia sensorial que la experiencia produce en cada participante cuando éste accede al espacio, toma el espejo y recorre la obra."

Ver los calcos perfectos, de las esculturas es un placer aparte... El Museo de Calcos es una preciosura, desconocida para muchos. Una perla escondidita justo cuando empieza  la Costanera Sur.

Museo de Calcos y Escultura Comparada "Ernesto de la Cárcova"- UNA

Av. España 1701, CABA - Costanera Sur

Cierre: Domingo 3 de Septiembre de 2017

Horario de visita al Museo: Martes a Viernes de 10 a 18 hs. 

Sábados y Domingos: 11 a 18 hs.

E-mail:carcova.extension@una.edu.ar
Web: museodelacarcova.una.edu.ar
Teléfono: 4361-4419 / 4361 3790